¿Cómo ha cambiado el papel del productor en la música moderna?
Discutimos sobre el papel del productor y cómo ha cambiado a lo largo de la historia de la música grabada, desde la grabación acústica hasta FL Studio.
En este artículo:
Cuando escuchamos nuestros discos favoritos, a menudo nos preguntamos qué hubo detrás del proceso de creación. En muchas facetas del mundo del espectáculo, y especialmente en la música y el cine, siempre ha habido demanda de un creativo que resuelva problemas y se convierta en catalizador de la transformación de una idea en bruto en un artículo acabado para el consumo masivo.
El papel del productor: ¿Qué es un productor?
Tradicionalmente, un productor musical es alguien con un claro olfato para el punto de vista del oyente a lo que se refiere al proceso de composición y grabación de una canción. Pueden traspasar cualquier ámbito creativo a la hora de guiar al artista en la dirección lírica o musical, ofreciéndole cuidadosamente ideas y opiniones.
Un productor puede poseer un profundo conocimiento de los equipos de audio, la instrumentación y la forma de convertir los sonidos de las ideas en la realidad. También puede ser simplemente un fan acérrimo de la música con un carácter afable que permite al artista plasmar en un disco hasta sus experiencias más íntimas.
No hay formas correctas o incorrectas de hacerlo, y es imposible decir si una ruta es más fácil o más difícil que la otra. Por suerte, a lo largo de la historia de la música grabada hemos tenido la suerte de contar con grandes productores. Si estudiamos a estas personas brillantes y sus perspectivas únicas, comprenderemos mejor el papel siempre cambiante del productor.
El papel del productor: A & R (Artistas y Repertorio)
Con la aparición del disco de larga duración a finales de la década de 1940, la tecnología de grabación en estudio fue en aumento gracias a innovadores como Les Paul. En los años siguientes, vimos cómo la reproducción musical se transformaba desde la primitiva grabación acústica, con su limitada gama de frecuencias (100 a 2500 Hz), hasta el uso de la cinta magnética multipista de alta fidelidad.
Paralelamente a esta evolución discográfica, los formatos de consumo de música pasaron lentamente de los singles de 7 pulgadas que se encontraban en las máquinas de discos de las cafeterías a los LP de 12 pulgadas y 50 minutos de duración y al nacimiento de la era del álbum. A partir de principios de la década de 1950, Sam Phillips, de Sun Records, se convirtió en una figura prominente de la industria discográfica, captando a intérpretes legendarios como B. B. King, Howlin’ Wolf y Elvis Presley.
El éxito de Phillips en Sun Studio se debió a su habilidad para buscar talentos y seleccionar los temas ideales de su repertorio que pudieran grabarse, cortarse y empaquetarse como sencillos de 7 pulgadas para facilitar su distribución. Mientras tanto, Philips se mantenía al día de la tecnología, pasando de los discos de acetato de 16 pulgadas a las máquinas de cinta Crestwood y Bell en 1951, y luego a la famosa Ampex 350 en 1954, que utilizó para crear su característico sonido de eco slapback.
El papel del productor: el mago de la grabación
Una de las bandas que adoptó y ejemplificó el paso de la grabación y publicación de singles a la de álbumes fue The Beatles, gracias a su fructífera relación de trabajo con Sir George Martin en los famosos estudios Abbey Road de EMI. Antes de fichar a los Beatles por Parlophone (filial de EMI) en 1962, Martin fue pionero en la producción de comedias sonoras con The Goon Show.
En lugar de limitarse a grabar las actuaciones de los Beatles en estudio, Martin se convirtió en parte intrínseca del proceso creativo, aprovechando su experiencia en arreglos y orquestación. A medida que la banda se volvía más aventurera musicalmente, las ideas de Martin evolucionaban de forma intuitiva, utilizando su habilidad como operador de cinta y editor, a la vez que abría nuevos caminos con su ingenioso uso de los bucles de cinta.
Con el tiempo, Martin se vio influido por la prolífica creatividad de la banda y, bajo su dirección, los Beatles pasaron de producir temas facilones para preadolescentes a la exploración sónica que podemos escuchar en Revolver (1966) y Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967).
El papel del productor: el hombre del sofá
¿Es posible convertirse en productor sin formación musical ni experiencia en ingeniería de audio? En lugar de manejar la consola o programar el Fairlight, un productor como Rick Rubin se centra en gestionar el proceso creativo de un álbum como un proyecto y asegurarse de que la visión del artista se traduce de la forma más impactante posible.
Un buen ejemplo del genio de Rubin es la historia que hay detrás del icónico éxito de los Red Hot Chili Peppers, Under The Bridge. La letra de la canción, profundamente personal, comenzó como una poesía garabateada en el cuaderno de Anthony Kiedis, y cuando Rubin descubrió el poema, instó a Kiedis a compartirlo con la banda. Cuestionando el estilo y la calidad emocional de la idea, Kiedis se mostró reacio a compartir la canción al principio.
Sin embargo, cuando el joven prodigio de la guitarra John Frusciante escuchó la letra, se dieron las condiciones ideales para que surgiera la chispa creativa en forma de los acordes conmovedores de la canción, propios de Hendrix. En lugar de pensar que tenían un éxito entre manos, el sentido intuitivo de Rubin desde el principio fue convencer al artista para que transmitiera esa calidad humana en bruto al oyente de la forma más natural.
El papel del productor: el productor superestrella
A veces el productor, más que el artista, es el protagonista de la historia. Aunque no siempre es fácil trabajar con ellos, están tan empeñados en hacer realidad su visión como los artistas más pedantes. Para colmo, tienen una reputación de fabricantes de éxitos en serie que respalda sus egos, a menudo desmesurados.
Como resultado, a menudo se puede escuchar el trabajo distintivo de productores como Phil Spector, The Neptunes, Trevor Horn, Max Martin y Flood, ya que las canciones destacan inmediatamente entre un mar interminable de música por lo general anodina. Mientras que algunos productores tienen ese sonido característico que todo el mundo busca, como «el muro de sonido» por ejemplo, otros triunfan por ser creativamente versátiles y adaptables a cualquier estilo musical.
Aunque no existe un modelo de productor superestrella en cuanto al papel que desempeña, tiende a ser más práctico, con una visión clara de cómo los sonidos y las emociones deben llegar al oyente. Una cosa es cierta: estos productores han ido más allá de la simple creación de discos de éxito y han creado obras que han marcado una época. «Nunca volveremos a ver algo así».
El papel del productor: el creador de ritmos
Hoy en día, el término productor se utiliza para describir vagamente a un beatmaker que crea las pistas instrumentales de acompañamiento para canciones de pop y hip-hop. La diferencia fundamental es que se trata de un trabajo mucho más artístico, en el que ya no se es el supervisor principal del proyecto ni el canal entre el artista y su discográfica.
En su lugar, las decisiones sobre los arreglos las toman el artista y su equipo de compositores durante el proceso de grabación. Este cambio de poder en las funciones creativas dio lugar a la cultura de los productores que vendían ritmos por una tarifa fija. Mientras que los grandes productores podían hacer esto y seguir manteniendo su reparto de derechos de publicación, otros vendían los derechos en su totalidad.
Cuando el streaming se convirtió en la norma, los ingresos por edición cayeron en picado para los productores, por lo que la venta directa de ritmos se convirtió en la norma. En este nuevo panorama en línea, la cultura beatmaking mundial es ahora una de las principales fuerzas motrices de la tecnología musical y el desarrollo de nuevas e interesantes herramientas de producción musical.
Más información sobre el papel del productor:
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